Crónicas del mélomano

A mí, lo del Neo Perreo no me convence...

Esta tendencia, que lleva ya un buen tiempo, siendo supuestamente la alternativa al Reggaetón, para mí, no está proponiendo nada nuevo. En términos filosóficos (?), conceptuales y más, cualquiera podrá decir que "nada es nuevo" y puede que hasta sea cierto, incluyendo a la música. Pero según tengo entendido, también por lo que he vivido, visto y escuchado, en la música cuando algo se considera nuevo, es porque dentro de sus elementos tiene algo que no ha sido usado antes o al menos refresca algo antiguo.

El 'Neo Perreo' no es si quiera un rescate, ni hace un uso 'novedoso' o interesante del Perreo, del "Pre Reggaetón", o del "Dembow", que generó lo que hoy conocemos como Reggaetón.

Algo que sí está "proponiendo" o agregando a lo que ya existe, es, en tono irónico —me parece— una exageración en los sonidos y sobre todo en la imagen y estética respecto a lo que se hacía antes con el dembow y primera etapa del Reggaetón.

No rescata nada, para empezar porque el Reggaetón está en su mejor momento, y darle una estética "alternativa" es más que innecesario, es, con todo respeto, inútil. Y el uso de los beats clásicos tampoco lo puedo considerar un rescate, pues, el Reggaetón de ahora no se ha olvidado de ellos, de hecho, el género en sí, simplemente ha evolucionado como debe.

Algo que difícilmente rescato de esta reciente tendencia es el protagonismo y empoderamiento de la mujer, pues la mayoría de personas siendo parte de esta ola son mujeres (Ms Nina, Rosa Pistola, La Favi, Mi$$il, Bea Pelea y más). En sus líricas, letras y rimas declaran que también pueden hablar de sexo libremente, proponerlo, mandarlo y en general ser libres en este tema, sin estar bajo las ordenes o sumisión de algún hombre.

Sin embargo, voy a mencionar solo un nombre y nos daremos cuenta que lo que intento rescatar del 'Neo Perreo ' no tiene mucho peso: Martha Ivelisse Pesante. Es más que notable que toda esta ola o tendencia (NO ES UN GÉNERO), está inspirada y basada en la reina, en Ivy Queen.

Lastimosamente no están haciendo nada, absolutamente nada que no haya hecho ella. Incluso, siendo agresivo, le están faltando el respeto a la gran Ivy y a quienes hacen o hicieron parte de los inicios del Reggaetón.

Ivy Queen fue de las pocas, por no decir la única, en el juego, mientras la mayoría de artistas del género y quienes empezaron a sonar fuerte, quienes llenaban conciertos en los inicios del reggaetón, eran hombres; ella no sólo igualó, sino que ha superado a muchos hasta el día de hoy.

Así como en esta tendencia moderna del Neo Perreo está hablando —indirectamente— del empoderamiento de la mujer, Ivy Queen también lo hizo y más de una sola vez. De hecho, fue la única o al menos la primera en aquel entonces. Todo el respeto y honor a la gran Ivy Queen.

“…porque yo soy la que mando, soy la que decide cuándo vamos al mambo y tú lo sabes…”
Quiero Bailar (Diva; 2003) – IVY QUEEN.

No sé si algún cantante, artista, personaje, del Reggaetón haya escuchado esto del “Neo Perreo”, pero dudo mucho que si llega a escucharlo lo identifique como algo novedoso o al menos creativo o que homenajee o al menos aluda al reggaetón.

Por lo que he leído y visto en otros portales sobre las y los personajes que se han adherido a la etiqueta del ‘Neo Perreo’, he entendido que la intención claramente no es homenajear ni aludir al Reggaetón, como mencioné al principio, en algunos casos parece ser un intento de crear una alternativa (que creo innecesaria) al Reggaetón (así como Rock / Rock Alternativo), y en otros casos una parodia y una burla bailable.

Y en el peor de los casos, una mezcla de ambas.

***

El primer álbum de Tomasa del Real ‘Bien y Mal (2016)’ cuenta con la participación de productores y DJ’s como Deltratron y Chico Sonido, personajes que se han caracterizado por hacer música, en términos generales, alternativa. Lo cual demuestra el aspecto o ambiente alternativo de donde viene Tomasa del Real y demás.

También por otros aspectos, es entendible que la intención de Tomasa del Real es la de generar la alternativa al Reggaetón actual, comercial y popular.

Su más reciente álbum ‘Bellaca del año’ no dista mucho de su álbum debut; además de tener un Trap, este nuevo álbum tiene beats más marcados y contundentes, donde se escucha mucho más claro el uso del dembow y del beat “clásico” del Reggaetón. Tiene algunos toques algo interesantes que aluden más a la música caribeña asemejando tambores metálicos (Steel pan) y encontramos su hit ‘Barre con el pelo’.

Es bailable, claro que sí, y mucho, también puede que tenga algunas buenas ‘líneas’, pero eso sería lo único que personalmente destaco o rescato de este álbum y en general de la música de Tomasa del Real.

Voy a insistir sin parar en que el ‘Neo Perreo’ no es ninguna alternativa del Reggaetón, ni algo parecido. Si acaso una parodia poco creativa y exagerada.

A mi parecer la verdadera ‘alternativa’ al Reggaetón la están haciendo otros artistas, del Pop, del Trap, incluso del Rock. ¿Cómo? Con un buen y creativo uso del ritmo base y característico del Reggaetón.

Gracias por leer.

Hace un buen tiempo quería hablar de él.

La primera vez que escuché a Shaman Herrera fue extraño.

Dentro de un momento de voces suaves, comunes, con la voz de Shaman fue encontrar una voz grave, pesada, fuerte, enorme y diferente a lo que venía escuchando, era más o menos el año 2015, y para mí, en ese año y en épocas cercanas no había escuchado algo igual ni siquiera parecido.

Lo conocí con 'Sueño Real' y mi escucha inmediata lo sacó de toda la 'escena' o momento 'indie' que se vino gestando por esa época; sin embargo me encontré que este álbum cuenta con participaciones de artistas y otros músicos que representan mejor los sonidos más populares y comunes o mejor dicho lo 'indie'.

La voz y el sonido de Shaman, para mí no.

Aunque es un artista que se encuentra por algunos de sus más recientes álbumes dentro del sonido moderno, actual, independiente y alternativo; su sonido, su voz, sus ideas, su concepto lo aleja así mismo de todo ello. Está y no está en lo actual.

Lleva más de diez años haciendo música, ni Spotify ni la información en Wikipedia muestran con exactitud todo su trabajo discográfico completo.

No lo conozco como quisiera, es decir, me encantaría conocerlo más de cerca, charlar con él, preguntarle muchas cosas. Sin embargo, a partir de su música y de lo que he encontrado allí, y de acontecimientos que además de expresarlos en su música, me he enterado por otro medios, he aprendido y he visto de algún modo quien es el gran Shaman Herrera.

La primera impresión que tuve al escucharlo, además de que fuera una voz extraña o más bien diferente en la música moderna alternativa e independiente latinoamericana, fue sentir que Shaman es alguien grande, su voz parece de un gigante, de un ser salido de cuentos míticos. Su voz es teatral y dramática, sus canciones por ello logran ser obras, puestas en escena que pueden imaginarse en la mente, con un Shaman Herrera cantando en el medio de un escenario y las imágenes de lo que expresa y trata alrededor de él. En todo lo que he escuchado de este hombre, así, lo imagino en cada canción.

Shaman es más que esa enorme voz, es un hombre, es un personaje que está íntimamente relacionado con los temas esotéricos, espirituales, mágicos, religiosos y demás.

Desde su proyecto con Los Hombres en Llamas, uno de sus primeros grupos, sus letras, sus conceptos son de un viajero de la tierra pero también de un viajero astral, mental y espiritual. Donde el amor, la vida, la muerte, los viajes, el destino, son temas que se mezclan y se combinan con otros, como la espiritualidad, el espacio sideral, la magia, la paz, la fe y más.

Una buena definición que se me acaba de ocurrir para hablar de la música de este gran artista 'música de viaje' o que sus canciones son 'canciones de un viajero'.

No sé qué tanto ha viajado, conocido o visitado Shaman en su vida, pero parece (así no sea así) que ha recorrido mucho, sus canciones son notablemente inspiradas por viajes, por recorridos largos de un hombres que camina y divaga por el mundo con una guitarra al hombro.

Eso es lo que se puede deducir breve y fácilmente de los primeros trabajos junto a 'Los Hombres en Llamas'. Ahora, creo que lo más amplio, abstracto y denso de Shaman lo encontramos con todo su trabajo junto a 'Los Pilares de La Creación' nombre que parte de una foto tomada por el telescopio espacial Hubble, a la cual le dieron este nombre.

Su primer álbum con este proyecto es la muestra breve o más sencilla de sus nuevos conceptos, su conexión con lo astral. Una muestra que el viajero sigue su camino pero ahora va más allá, expande sus horizontes y llega afuera de este planeta, hace conexiones con lo no terrenal, más allá de este mundo llega Shaman Herrera.

Con el álbum que lo conocí, 'Sueño real' el tercero con Los Pilares de la Creación (si contamos 'Quimera', que es una banda sonora) expresó algo más abstracto, desde la portada y en cada una de sus canciones. Pero a su vez demostró que su música también se encuentra en un ámbito (musicalmente hablando), más común y popular, pues este cuenta con varias participaciones de las que se destacan la de Sara Hebe y Santiago Motorizado (El Mató a un Policía Motorizado).

Pasaron un poco más de dos años, para que Shaman Herrera, luego de este 'Sueño Real' apareciera con nueva música.

El nacimiento de su hija, su retiro temporal, su 'exilio', la continuación de su viaje, un viaje más personal y quien sabe cuántos más acontecimientos lo marcaron para su nueva y más reciente obra 'El primero es el último'

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"Decir que el primero es el último es decir que no existen ni el uno ni el otro. No hay un antes y un después si el después viene antes que el antes. Se suprime la inercia, la sucesión, y se transforma en un infinito estable y sin ego. El tiempo es solo lo que las palabras dicen de él." Shaman Herrera.

Si fuera el primer trabajo que escuchara de Shaman, bien podría pensar que es un artista religioso que se dirige sólo a las personas interesadas en estos temas y conceptos. Sin embargo, en caso que sea la primera vez que vayan a escuchar a Shaman Herrera, hay que tener en cuenta sea como sea sus trabajos anteriores. Conociéndolos un poco es notable más que una evolución, algo así como un renacimiento, un resurgimiento de ideas y conceptos.

Es notable ver con lo que Shaman se ha encontrado en estos últimos años durante la creación de esta obra además de encontrarse (quizá, porque no sé cuánto lleva en ello) con conceptos del budismo. También puedo percibir que los acontecimientos que rodearon este nuevo álbum lo marcaron de manera trascendental e influyente a la hora de componer estas nuevas canciones.

Hace varios años un álbum no me conmovía así, no sé si haya sido que en este álbum vuelve a sonar tan natural y orgánico, además aquí siento su voz mucho más dramática, más sentida, más expresiva; o quizá también es todo el sonido con que acompaña cada canción, pues ha incluido tubas y pianos, algo que no se había hecho presente con Los Pilares; en este álbum toda la sonoridad genera un ambiente dramático, denso, envolvente, teatral y cinematográfico, muy profundo. Y aún hay más, este álbum habla de renacimiento, de un encuentro con uno mismo, con el espíritu también habla de la nada y del todo, del infinito, de la muerte y de la vida, a veces en términos budistas, a veces entre frases abstractas, pero logra sentirse y entenderse.

'El año del gallo', que precisamente fue el 2017, también es el nombre de la canción con la que abre este álbum. Significa que es el año del nuevo amanecer y comenzar, queda precisa para el retorno de este personaje (Shaman).

He tenido que buscar algunos conceptos y palabras de las que se refiere Herrera en este nuevo álbum, como 'Avatar' en el sentido budista o hinduista, 'La luz dorada', 'Govinda' entre otros. Y veo que habla de cosas muy bellas, que aunque no pertenezcamos al budismo o algo parecido, logró generarme un interés y una curiosidad por ello. De este modo, entendí lo importante que puede ser el budismo y las ideas cercanas para Shaman, pues lo que trae de esta religión y filosofía en este álbum, habla de renacimiento, curación, representación de dios, nacimiento, comienzos. Ideas muy conmovedoras para cualquier persona.

Ahí es donde se nota su encuentro con esta religión/filosofía. Pero Shaman no deja que estas ideas y lo que expresa sea para únicamente para quieren practican, profesan o pertenecen al budismo, sino, siento yo, es álbum para él mismo expresarse, para contar lo que significó su retiro, su encuentro con esta religión/filosofía, con la naturaleza, con la meditación, con el nacimiento de su hija (Govinda), y más.

Y eso fue lo que me conmovió, no es un álbum para sus oyentes, es decir, no es un álbum con el que fácilmente uno se sentirá identificado con las canciones, pero si es un álbum lleno de reflexiones, de pensamientos personales, como un cuaderno de notas de un viajero, de un sabio; que si bien no se aplica inmediatamente en nuestras vidas, algo logra hacer sentir, al menos pensar en la vida y en el espíritu.

Shaman Herrera parece haberse encontrado consigo mismo a través de 'El primero es el último'.

Favoritas/Recomendadas:

1- El año del Gallo

3 - Agosto

5 - Luz Dorada

7 - Palabras

9 - Govinda

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ÌFÉ, LA EXTENSIÓN DEL AMOR.

Fotografías por Karen Rivera

No fui con la intención de escribir, lo cuento porque para eventos, conciertos y demás cuando uno va con ese plan, con esa intención la perspectiva de lo que uno vive escucha y ve en vivo es otra.

De hecho cada vez que voy a conciertos, incluso con la intención de escribir trato de no pensar en ello: en escribir al respecto, pues considero que la experiencia cambia y los detalles, las cosas que vivo, en las que me fijo y lo que siento es distinto y de algún modo menos real.

Fui a conocer a ÌFÉ, fui a ver como sonaba en vivo un grupo bastante curioso que de manera extraña pero precisa combina lo esotérico, lo religioso, lo espiritual con lo tecnológico y moderno. Sé que esta combinación no es única, y cada vez estos elementos se combinan y se fusionan más en el mundo musical. Sin embargo lo que pasa con los puertorriqueños ÌFÉ, es que, considero se encuentran en ambos extremos, su álbum debut “IIII + IIII” toca temas relacionados completamente con la religión Yoruba y para esto usa beats, percusión electrónica y una alta dosis de autotune entre otros efectos digitales. Es una combinación extraña para mí. Incluso uno podría pensar que es una combinación algo contradictoria. Pero ÌFÉ logra hacer de estos elementos algo respetuoso, bello, agradable y poderoso.

No pensé que se fuera a lograr un concierto de ÌFÉ en Colombia, realmente sé poco de como funciona el manejo y el trabajo de las giras de los grupos; de algún modo pensaba que ÌFÉ no era un grupo tan sonado o tan conocido en Colombia, ni siquiera en latinoamérica. De hecho en su gira reciente desde Junio 15 hasta Septiembre 28, el único país y ciudad de latinoamérica incluida allí, fue Bogotá.

Es una pregunta válida, ¿por qué en especial, Colombia; Bogotá? (Bueno, Bogotá, por que todo llega a la capital, afortunada y desafortunadamente)

Para mí, desde la fecha de su anuncio fue una gran sorpresa.

Todo fue apoyado o más bien por la gracia del trabajo de Afropicks. Este proyecto que mueve artistas afro-latinos dentro de la misma latinoamérica. Pues dentro de estas mismas fechas y el mismo festival que armaron para lograr esto ‘Tempo tropico’ trajeron a Novalima, Dayme Arocena entre otros, acompañados de artistas cercanos (musicalmente hablando) locales.

Cuatro fechas de este gran ‘festival’ en Bogotá -si se puede decir- de nuevas músicas tropicales; dentro del cual estaba por supuesto IFE, al cual como ya manifesté asistí con mucha sorpresa y curiosidad.

Todo el festival se realiza en el TEATRO Colsubsidio Roberto Arias Pérez. Sobre lo cual yo debo decir que siempre me ha molestado un poco. Considero que las músicas y más aún si son tropicales o ‘fiesteras’, deben presentarse en un espacio mas comodo, mas amable, mas apto sobre todo para moverse. En este ‘Tempo Tropico’ lo que resaltaba era eso, pues no hay un sólo grupo con el que uno no vaya a moverse. (Por más tieso o aburrido que sea uno). No sé como habrá sido esto en las primeras dos fechas de este festival, con Novalima y Daymé, según me enteré, la gente - como suele pasar- se levantó de sus sillas a bailar sin pena alguna.

Lo cual me alegra.

A la fecha que asistí, el evento fue acompañado por los grandes y legendarios Son Palenque.

No esperaba la formación de ese día, los había escuchado en vivo antes, pero en ninguna presentación pasada los había visto acompañados de guitarra eléctrica y tampoco con uno de los grandes músicos de colombia, Michi Sarmiento. (Escuchar: Pedro Laza y sus Pelayeros, Michi y Su Combo Bravo, Joe Arroyo, Son Palenque, Ondatropica, etc…).

Me sorprendió y encantó Son Palenque con su formación especial para ese día. Ni modo, y afortunadamente casi todo los asistentes incómodos, incomodando o no, nos levantamos a bailar.

Foto amateur por Crónicas Del Melómano

Justo Valdés y compañía tienen tremenda fuerza musical. Muchos años de vida musical que se nota y se siente, saben cómo transmitir su alegría y su fiesta. Además tocaron ‘Palenque Palenque’ una de mis favoritas del grupo, sonó impecable, fuerte y sabrosa. La disfruté como nunca.

Son Palenque tocó sus mejores clásicos y sus recientes canciones también, que aunque no sean populares, son canciones que siempre contagian de sabor y alegría y eso lo noté; o mejor dicho es notable con Son Palenque, canciones que han sido más populares y más sonadas en otros lugares y no en Bogotá, pero que igual así, con su interpretación en vivo, por ellos mismos, logran cautivar con baile y emoción.

Y pues, con este formatos acompañados del gran Michi Sarmiento (Saxofón), sonaron impecables.

***

Creo que desde que ÌFÉ salió a escena, o mejor dicho desde que levantaron el telón, e ÌFÉ estaba ahí, nos impresionó a todos.

Apenas los vi, no sólo sentí que iluminaron el teatro sino a nosotros, inmediatamente hubo una conexión con ellos. Vestían todos de blanco, dos ellos estaban de pie y los demás sentados frente a sus aparatos musicales. en medio un bandera con unas pequeñas letras que marcaban su nombre ÌFÉ.

La chica sólo tenía un palo o báculo con el que varias veces marcaban los ritmos fuertes, también un pequeño aparato con el que mezclaba su voz y acompañó en algunas canciones. Estaba Otura Mun sentado, líder de este proyecto, con tres instrumentos electrónicos de percusión al frente de él, en medio otra percusion electrica tapada con la bandera ÌFÉ, siguiente un percusionista más con tambores cubiertos con unas mantas blancas y por último también de pie, un cantante más (todos cantan en ÌFÉ), quien llevaba y marcaba el ritmo con un Chekere grande.

Su comienzo fue atrapante. entraron interpretando una combinación de beats, el ritmo del chekere y la percusión eléctrica que hacía Otura Mun en una especie de ‘solo’.

Fotografía amateur por: Crónicas Del Melómano

Fue atrapante como ya dije, desde que salieron a escena, pero cuanto más avanzaba su presentación, más empecé a sentir una conexión sorprendente, algo mágica pero difícil de explicar.

En su tercera o segunda canción salió una bailarina que deslumbró (y hablo por todo los asistentes) nos maravilló. Nunca había visto alguien tan entregado a la música en vivo, o a una presentación artística en vivo. Ella aparecía en algunas canciones, con distintos trajes alusivos a las temáticas religiosas y tradicionales en las canciones de ÌFÉ. Fue encantadora.

Sentí que las canciones de ÌFÉ, aunque por lo yoruba y toda esta influencia y relación con lo cubano, tienen una conexión implícita con el cuerpo. Personalmente quedé atrapado y sentí que era un momento, un espacio para cerrar los ojos escuchar y sentir lo que expresa este grupo puertorriqueño que trae lo yoruba en su esencia. Me dejé llevar y sentir.

Por momentos pensaba en cómo logran expresar lo espiritual tan bien llenos de beats y con el alto uso del autotune y demás. ¿Cómo? No sé, pero lo llevan, lo cargan con ellos y fue breve que al sentirlos, escucharlos y verlos en vivo haya notado no sólo el respeto que le tienen a todo lo Yoruba, sino como ellos lo viven, es su estilo, es lo que lo que quieren expresar por muchas razones, su intención es demostrar la importancia o más bien la fuerza que trae toda esta cultura.

Otura Mun habló de su viaje a cuba y de lo que fue o es la YUMA para él y por eso la canción ‘YUMAVISION’ una de las canciones con las que más conecté o quedé gratamente sorprendido de ver y escuchar en vivo, aunque con una percusión electrónica; Otura toca de manera sentida, con ganas y con mucho corazón; es un percusionista puro.

Entendí que no importa si es un tambor de madera o a una caja de ritmos electrónica, el hecho de tocar, y expresarse tocando es la conexión que se logra con la música. Otura Mun y compañía así lo demuestran, con todo lo que hacen. Cada uno hace cosas mínimas o muy detalladas en ÌFÉ, se nota. Pero logran expresar mucho. Por ejemplo en ‘UMBO (Come Down)’ donde es protagonista la voz femenina, en vivo fue tal cual, con ese efecto moderno pero la mujer que hacía esto esa noche, lo hizo de una manera tan especial que impactó, se notaba su expresión, su conexión, su fuerza y su amor.

Hubo un momento muy especial, y me disculparan porque no recuerdo en qué canción fue, han pasado ya varios días y ese tipo detalles olvido; donde se conectó la bailarina y el grupo de manera increíble, la canción fue en su comienzo suave, lenta y ella la bailaba con un vestido largo y grande. Luego repentinamente la canción toma una fuerza y más velocidad en la percusión, la bailarina se ‘destapó’ y quedó en algo más cómodo, claro para moverse más. Y así fue, esta mujer sonreía y no paraba de bailar mientras ÌFÉ acompañaba con un ritmo contundente, fuerte y más rápido. Conectaron impecablemente, no sólo entre ellos sino con el público mismo. A ratos miraba al público y todos parecían absolutamente concentrados y asombrados, como si no quisieran perderse un segundo, otros (como yo en algunos momentos) tenían los ojos cerrados y se movían en las sillas. Muy bonito.

Cerraron con una interpretación de una Rumba clásica de Cuba, sin nada electrónico, sólo tambores y esta vez la voz líder para ello fue de quien tocó el chekere toda la noche, ahora, con una clave cubana.

Y así terminó un concierto impecable que conectó de manera profunda con el público sin necesidad de falsos ánimos e invitaciones a gritar o saltar, con su simple interpretación y tranquilidad músical. Eso sentí, sentí uno de los concierto más pacíficos, tranquilos y espirituales, hasta el día de hoy.

Entendí también el porqué (quizá) ÌFÉ tocó en un teatro, y claro, por respeto. Hay un respeto a lo religioso a la cultura que representan y a la espiritualidad, sin necesidad de manifestarlo, eso sentí. Quizá no sea así, pero es una buen teoría.

Fotografía por Karen Rivera

Fue un concierto para sentir.

¿Es el mejor momento del Rap colombiano? Quizá.

¿Es el mejor momento para Rhodesia? Sí.

Desde hace unos cuantos años el Rap / Hip Hop colombiano ha tomado una fuerza increíble, empezó a llegar más público y más oyentes a este, empezaron a salir nuevos productores, nuevos mc's, nuevos álbumes, nuevas canciones, nuevos proyectos, nuevas ideas que desde hace mucho no se daban de esta manera en Colombia.

Por cierto tiempo el recurso popular más valido fue el uso del beat clásico 'boom bap'; un recurso que algunos, incluso en los inicios de todo este gran crecimiento (o renacimiento) del rap colombiano llegaron a creer suficiente, sobre valorado, re-usado e incluso ya aburrido. Quizá tenían razón.

En algún momento llegué a pensar lo mismo, el por qué todos los artistas, músicos, y demás en el rap colombiano sólo usaban el boom bap. Yo tenía una respuesta y era, 'aun no es el momento de ir más allá, apenas el rap colombiano se está haciendo fuerte'. Han pasado un par de años desde entonces, y con el auge y la tendencia del Trap (y sus beats), también han llegado otras influencias para los productores y creadores del rap en Colombia. El regreso del dembow y/o moombathon, el Trap, la electrónica junto al rap, y más.

Mientras acá no dejábamos de escuchar boom bap, en EE.UU. se han dado proyectos como milo, Earl Sweatshirt, Busdriver, Open Mike Eagle, Knxwledge y más; menciono estos pues son parte de lo que algunos especialistas han considerado 'rap alternativo' o 'rap abstracto ' e incluso 'art rap' (rap artístico). Y además de lo más viral, mainstream y popular, también esta alternativa en el rap ha influido a los creadores y personajes del rap colombiano.

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Las Hermanas lanzó su primer trabajo en el 2014 siendo este poco visibilizado y poco llamativo. Claro, no superábamos el boom bap tradicional. Aunque este productor bogotano no dista mucho del tradicional beat de rap, sus cortes y efectos forman beats, tracks extraños, abstractos e incluso cada vez más complejos.

N. Hardem es un respetuoso del Rap, además de ser uno de los raperos más interesantes, misteriosos, cautivadores y creativos en Colombia. A quién escuché por primera vez rapeando sobre exquisitos y tradicionales beats de Soul AM.

Por supuesto ambos vienen siendo influenciados no solo por la 'escuela clásica' del rap, sino por todo lo que ha ido sucediendo en el género globalmente, y se nota. También entendieron que ahora es el momento de lo abstracto, de algo más complejo, de algo más allá de lo común en y para Colombia.

El rap colombiano (moderno, si se puede decir) ya tuvo su primer encuentro con un tipo de rap que se sale de lo tradicional; estoy hablando del caso de Tinto (2016) de Frank Jhonson & Al Baro; álbum que tomó a muchos por sorpresa.

'Rhodesia' el disco colaborativo entre el meticuloso, curioso y extraño productor Las Hermanas y el mítico, espiritual y creativo rapero N. Hardem, promete ir más allá, salir de los esquemas más tradicionales a los que venimos acostumbrados, y como ya dije, y como ellos también lo saben, es el mejor momento, es el momento de estos dos. Y con lo poco que escuchado de este futuro álbum, digo: totalmente merecido.

'Afuera bien' es su primera muestra oficial, esto se sale de 'sencillos' de lanzamiento y toda esta estructura que tiene la 'industria musical'. Pues digo y uso la palabra ‘muestra’, porque se nota que Rhodesia será toda una obra de arte.

Debo admitir que aun terminando de escribir esto, luego de varias repeticiones de este nuevo lanzamiento del dúo de rap abstracto bogotano, me ha costado entender la idea completa de 'Afuera bien'. Es una serie de frases con múltiples referencias, indirectas y mensajes disimulados por parte de N. Hardem.

Yo no sé mucho de cómo son los flows ni de la forma de rimar en general. Pero entiendo que rimar, frasear y rapear sobre un beat así de complejo no es nada fácil para ningún rapero.

Este rapero, a quién hemos escuchado sobre bases clásicas, logra cambiar su flow completamente y combinarlo de una manera -no sé si aplique esta palabra- precisa. Entiendo que con estos beats y con esta métrica y el flow, ya no se trata de encajar en el beat, pues no está ese golpe clásico con el que los raperos tradicionales guían sus rimas. Aunque difícil de escuchar, e incluso de apreciar, es notable el talento de N. Hardem.

También estoy hasta el cansancio de las comparaciones con lo gringo, pero debemos admitir que es inevitable pensar en los beats de álbumes como 'Yes Lawd' (Stones Throw Records; 2016) de Nxworries o en un Thumbs (2015) de Busdriver.

Odiando la comparación, pues no necesitamos validación, ni comparativos extranjeros digo, ya estamos preparados para ello. O más bien, a quienes leen y se disponen a escuchar 'Afuera bien' y un futuro ‘Rhodesia’ les pregunto, ¿estamos listo para esto? ¿Para Rhodesia? ¿Para N. Hardem & Las Hermanas?

Estoy contento de que esto esté pasando, de que todo el rap colombiano vaya más allá así sea poco a poco porque es necesario entender el proceso por el que va; también estoy contento por un atrevido, arriesgadísimo e 'innovador' track como 'Afuera bien'.

A los raperos, productores y músicos, sigan arriesgándose a hacer más.

A nosotros los oyentes, arriesguémonos a escuchar más allá.

JUSTO Y NECESARIO.

Molotov es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, quizá eso se debe a que prácticamente crecí escuchándolos.

Y sí, Molotov pertenece esa época en la que el Rock en Latinoamérica tuvo gran importancia y aquí todos creían en él.

Molotov es una de esas bandas representantes de lo que es o fue el "Rock en español".

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Los Unplugged o desconectados siempre han llamado mi atención, son un espacio muy interesante, que de algún modo reta y desafía a las bandas y a los artistas en cuestión. Estos 'especiales' son una exigencia a los artistas para mostrar una faceta distinta y nueva en su música. Como bien recordamos el unplugged de Nirvana, el cual bajó la agresividad y furia de Kurt y compañía y mostró su sonido y ambiente más depresivo y delicado. Desde ese aspecto, sorprendió y llegó al corazón de muchos. Pues es uno de los unplugged más conocidos y recordados.

Ahora, como un 'seguidor' de los unplugged, recuerdo especialmente algunos que vi el día su lanzamiento y otros que por obvias razones cronológicas conocí más adelante. En primer lugar, y porque lo vi por televisión el día de su estreno, recuerdo mucho el de Korn, sus canciones, estos hits como 'Freak on a leash’, 'Falling away from me', 'Got the life' y demás, sonaban completamente distintos, fueron reversiones increíbles y sorprendentes.

Otro unplugged que recuerdo muy bien, es el de Los Tigres del Norte, más que por el cambio en su sonoridad (que no fue mucho), por las participaciones de Calamaro, Residente, Juanes y Zack de la Rocha.

(¿Cual(es) es (son) tu(s) Unplugged favorito(s))

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Aunque Molotov haya “pasado de moda" como mencioné al principio, o ya no sean una de las bandas más importantes del momento o ya no sean parte del 'mainstream'; es una de las inolvidables, "clásicas" y grandes del "Rock en Español".

Así como Illya Kuryaki & The Valderramas, Café Tacvba, Soda Estéreo, Los Tres, Shakira, entre otros tuvieron e hicieron su desconectado, (algunos de manera muy anticipada), que Molotov lo hiciera era más que justo y necesario.

Justo por los más de 20 años que llevan haciendo música (buena o mala), necesario, por el hecho de ser una de las bandas "más pesadas" (dentro del Rock Latino obviamente); ese cambio, de los dos bajos y la guitarra eléctrica, a lo acústico (incluyendo otros instrumentos) tenía que pasar tarde o temprano.

Y me gustó.

Quizá esperaba algo más 'arriesgado' y sorprendente en El Desconecte de Molotov; pero hay que admitir que con este 'Rock' de Molotov tampoco podrían hacer algo muy cambiante o increíble para esta ocasión; el hecho de que lo eléctrico y duro pase a lo acústico ya por si sólo resulta llamativo. Aun así, El Desconecte logra presentar algunos detalles particulares, llamativos y muy agradables.

No hay que ser muy detallista para notar que los Unplugged dan la oportunidad de que los grupos, bandas, artistas musicales hagan cosas especiales, distintas y hasta nuevas allí; como bien Korn lo hizo con el uso de instrumentos no convencionales; participaciones especiales como bien lo lograron Los Tigres del Norte; las versiones completamente distintas como bien lo hizo PXNDX; covers y cancines ineditas como lo hizo Nirvana, e incluso Molotov interpreta una nueva canción en su desconecte.

De 'El desconecte' 'Gimme tha power' el clásico de clásicos, el hit por excelencia de Molotov, fue una de las canciones que más me sorprendió y agrado en esta versión. Disimuladamente tiene un cambio de ritmo, más campirano más tejano, y la reinterpretación de la marimba que tiene la original hecha por un Litofono el instrumento de piedras que se puede apreciar en el vídeo. Más un contrabajo que retumba y la nueva velocidad que le dieron a este 'clásico', me encantó.

Otra canción que me emocionó escuchar este especial de Molotov, fue 'Matate Teté', pues a mi parecer esta es una de las más pesadas y fuertes canciones de ellos en toda su discografía. Además esta canción tiene un corte, que en la original tiene un sonido carnavalero con muchos tambores, para esta ocasión lo reemplazaron con una gaita bajando la velocidad de la canción; eso me encantó.

No estoy seguro si el hecho (y es un detalle más que tienen los unplugged) de que lo que interpretan las bandas allí, sus hits, sus clásicos, sus grandes canciones en una nueva versión o no, sea lo que nos emociona. Pues en algunos desconectados, no hay mayores o increíbles re interpretaciones de estas canciones.

‘Frijolero’ no dista mucho de la versión original, a excepción de la inclusión de la tuba, lo cual le da un aspecto más 'bailable' acercándose a la popular música de banda mexicana. Lo mismo sucede con ‘Voto Latino’ y ‘Puto’, no existe un cambio más que el obligado para un desconecte, lo acústico y el acompañamiento secundario de otros instrumentos como teclados, congas, tambores, acordeón, entre otros.

Lo que vi de El desconecte, me evocó un poco al unplugged de Korn en cuanto al escenario y el uso (o intento de usar) instrumentos no convencionales.

Molotov deja intacta la esencia de sus clásicas canciones, con el uso de la gaita, tambores japoneses, teclados y más; y en este caso eso fue lo que más me agradó, por más que yo deseara algo más "experimental" y extraño.

Quizá la emoción por este unplugged se dio porque es una de mis bandas favoritas, pues como ya mencioné no hay ‘experimentos’ ni muchos sonidos o ritmos arriesgados o distantes de las versiones originales en estos clásicos de Molotov; sin embargo, también cada unplugged (sobre todo de bandas pesadas) es interesante escucharlo pues siempre son desafiantes. Molotov hizo lo que pudo, intenta usar nuevos instrumentos, y aunque en algunos cortes sentí que los desaprovechó, El desconecte tiene otros momentos emocionantes y sorprendentes.

El Desconecte tenía que suceder, tarde o temprano, más que justo y necesario para los inolvidables Molotov.

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1 - Here we kum

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